这个不一定。对于新手来说，我觉得可以先开始用手机尝试，因为相机毕竟只是一个媒介，你可以用它去调整技术上的参数，获得你想要的画面。但这些只是外在的东西，最终还是要看它是否能服务于你的表达。

学习摄影时，要思考自己想通过摄影表达什么。比如说你拍摄的这个东西是否承载着你自己的情感，或者说你是否能够去和你的观众制造一种心理上的共鸣和连接，我觉得这个才是最重要的。

单反其实还是我们为了去达到一个更高的技术标准所用的工具，但是无论再高的技术，最终还是要服务于情感和观念上的表达，这个才是我们学艺术更为核心的目标。

我觉得区别就是，除去画面的那些技术指标之外，它是否承载了一个作者的观念与情感。比如说如果拍糖水片的话，我们可能更注重的是画面构图是否好看，或者说曝光是否准确，我拍摄这个场景是不是很宏大，是不是看上去很美，对吧？

它只是一种视觉上的美感而已，但是我们除了这些比较空洞的形容词之外，也许再没有更多的词汇可以形容这张照片了。但对于一组有深度的作品来说，他能让观众产生共情或是心理上的共振。

我觉得这个是鉴赏一幅摄影作品有没有价值的要素之一——你能不能打破这种心理上的距离。

所谓心理上的距离，就是人生活在社会中，会被规训，会带盔甲。而好的艺术作品有一个很重要的意义，就是能让人成为真正的人。一个好的艺术作品，能毫不掩饰的用自己的真诚去打动观众，会击中我们，让我们卸下防备和盔甲，让我们很赤诚地去观看作品。如果说一个作品能消除人之人之间的心理距离，我觉得它就是一个好的作品。

举个例子，我觉得比如说有一个摄影师叫川内伦子，然后她拍了一本画册叫《cuicui》，“CuiCui”在法语中是指“麻雀的鸣叫声”，这是川内非常熟悉的声音，而且听起来很可爱，她起这个名字，实际上是一种生活化表达。她的作品的风格我们看起来是一种日式小清新的感觉，但实际上川内伦子是想从照片中去探讨家庭与生命。

比如有些照片，它背后的故事是一位老人去世，全家人一起去给老人举办葬礼；也会有一些照片表现家里有新生儿的诞生。新生命的到来，老人的离去，这种生死轮回的过程，是经常会在她的作品中出现的。

我记得有张照片是一颗西瓜旁边放了几颗西瓜子，西瓜子就是种子。种子播撒下去之后，又成为新的生命。这也象征着老的生命逝去，新生命到来。从她的作品中，我们看到了生死，看到了时间，看到时间的厚重，也看到了生活的样子。

川内伦子的作品中那种看似不经意间的记录，反而留下了厚重的印记，这是她对生命的自我感知，我们从真正好作品中能看到一个摄影师的生命观、生死观。

我觉得还是要分适用场景，比如说现在有一个稍纵即逝的瞬间，就必须要马上捕捉，手动对焦可能就会来不及。

但是我们如果要拍一个雕塑或者一个静物，你有更多的时间去对焦，我们就可以采用手动对焦的方式去练习。

但是其实我觉得这个还是要看你用的器材，比如说你用一些老的胶片机，它可能没有自动对焦这个功能，或者自动对焦对的不准，这种情况下我们就要用手动对焦。但是如果说我们用的是新推出的器材，它的自动对焦功能非常准确，而且很迅速，我们就可以好好地利用它的功能。我觉得还是看我们自己的需求，以及器材本身的功能性。

我觉得这个问题还是要看我们想表达的是什么，难以一概而论。譬如我们如果只是想凸显夜晚的黑暗，那就可以不用闪光灯。但如果说你想通过使用闪光灯突出被摄主体，或是制造一种间离的、异于平常的视觉效果，你可能就要在夜间用到闪光灯。还是要看摄影者拍摄时的具体情况，我觉得这个才是更核心的。

但也有一些摄影师会在白天使用闪光灯。比如英国有个摄影师叫马丁·帕尔，他有一组作品叫《最后度假胜地》，他在这组作品中选择在白天使用闪光灯进行拍摄，制造出了一种超现实的视觉语言。

这部影集所拍摄的是英国利物浦附近一处肮脏破败的海滨度假地新布莱顿。当时正值撒切尔政府鼎盛时期，消费取代了工业发展，看似一片繁荣热闹，马丁·帕尔却冷眼旁观，热衷于不体面的“脏乱差”。“这其实是一个讽刺和政治控诉：当时我们总是在说，英国是一个多么好的国家，可是当你看到这些照片的时候，发现事实是多么可悲，大家去这么可怕的地方度假，你看看有多少垃圾！”

我们可以看到照片的饱和度非常高，有一种异于平常的浓烈色彩，这样的色彩其实能够更加深化他想表达的主题。

再比如说还有一个摄影师叫冯立，她有一组作品叫《白夜》，是通过在白天开闪光灯的方式去制造一种超现实的感觉，制造了一种非常诡异的效果，去表现一种现代社会中的黑色气息。这些技术手段（譬如闪光灯），无论是白天用还是晚上用，目的都是服务于摄影者的表达。